Uma Poesia Qualquer: suavidade e setentismo em contagiante CD de estreia

Julio Verdi - do blog Ready to Rock

Conceber um cardápio musical que agregue eficientemente beleza poética com uma sonoridade climática não é com certeza uma tarefa das mais fáceis. E foi justamente isso que a banda/duo Uma Poesia Qualquer conseguiu com seu primeiro álbum, “Brasa de Cetim”. 

O grupo é formado pelo casal Rafael Garcia e Ananda Volpi, que atuam separadamente em outras formações musicais como Vale Hermético, Ananda, Brand New Eyes, The Long Blue Trip. Os dois moram em Araraquara (SP), mas são de Rio Preto (SP), para onde sempre retornam para shows, em vários formatos.

Acompanhados de músicos tradicionais da cena da região, como Paulo Garrido, Junior Muelas e Bryan Baietta, a dupla registrou “Brasa de Cetim” nos estúdios Baietta Produções e Cosmic Records, e lança agora o trabalho em formato CD físico e, em breve, nas mídias de streaming.

O trabalho brilha por conter composições e arranjos primorosos. A sonoridade soa densa em alguns momentos (mais por conta da intensidade das teclas e bateria) e o sentimento setentista que permeia, tudo como base para a voz suave e intensa de Ananda. A viagem "old times" como concubina divina da poesia que toca a alma musical do ouvinte.

O disco abre com “Castelo de Ar”, com teclado e percussão dando um clima céltico à música, aura folk-pop-rock e com o clima “old rock” do solo de guita. Daqueles refrãos que colam e não largam a mente.

A seguir, “Flores Mortas” e seus efeitos nos pratos e cordas. Pelo timbre de bateria soa mais áspera e com dose generosa de emotividade das vozes, da metade pro fim a presença hard da guita. “De Novo” conta com dedilhado de aço com pegada musical pesada.....misto de psicodelia mutante com a direção musical de mestres dos 60, como Moody Blues. Voz da Ananda lá em cima.

“Caminho pra Lugar Nenhum” traz guita wha-whazística numa vibe mais groove, o lado soul e rock caminhando juntos, por isso mesmo o baixo se permite suas aventuras mais explícitas. 

Na sequência, “Calor de Inverno” que conta no início com efeitos de teclas e cordas e abre com licks (percussão com ótimo trabalho de caixa), numa levada mais cadenciada, caindo no lado intenso do rock nos solos das 6 cordas. Dobra linda de vozes. O lado lírico que flerta com a vibe ácida de Secos e Terço.

“Uma Poesia Qualquer” – faixa já divulgada pela coletânea “Cosmic Records 2022” - a música que parece sair de dentro da natureza ou vice-versa. Os efeitos sonoros junto a voz e violão dão o clima viajante da faixa (que incorpora suavidade percussiva posteriormente). Como é legal solo de violão...

Para fechar, “Combinação e Rima” com sua abertura com bateria, efeitos de voz (na faixa toda) e licks fusion (com doce balanço). A intencional introspecção permeia o decorrer da música. Um clima latino com o feeling blues da guitarra. Fecha o trabalho com a presença encorpada de malícia e perícia.

O Ready conversou com Ananda e Rafael sobre o lançamento e suas carreiras em geral.

ReadytoRock - Rafael e Ananda participam de outros projetos musicais e bandas. Independentemente de serem um casal, como se deu a química musical entre vocês?

Ananda e Rafael - Descobrimos nossa química compondo mesmo... antes da gente tocar qualquer música nós escrevemos uma música (risos). Foi natural e a partir dali percebemos que havia conexão musical e que talvez fosse uma boa ideia seguirmos criando e compondo...

RR - Suas outras bandas tem propostas distintas. O que a influência variada de vocês contribuiu para a sonoridade do projeto Uma Poesia Qualquer?

A & R - Esse é o interessante em nosso duo. Precisamos sair "da nossa caixinha" pra pensar como um projeto em conjunto. Como mesclar rock psicodélico com indie, pop atual e tudo isso em português? É importante pra ficar um trabalho não tendencioso a nenhum estilo. Juntos criamos algo novo, mas que ainda é muito perceptível de onde vem as referências de cada um. Isso contribui pra chegarmos numa sonoridade original e que expresse o que e quem somos. Não queremos ser uma banda de rock ou um projeto de pop ou qualquer outro gênero; buscamos ser um projeto musical, onde a música prevaleça e vá muito além dos estilos e gêneros e coisa e tal...

RR – “Brasa de Cetim” tem uma intensidade impressionante, com cada faixa se comportando bem em cada região sonora própria. Como se deu o processo de composição?

A & R - As músicas, embora não tenham sido pensadas pra compor um álbum, surgiram na mesma época e acredito que isso acaba colocando as canções em atmosferas semelhantes. O mais legal do álbum é que ele permite que cada criação tenha sua própria individualidade, sua própria vida e que falem por si só, mas ainda assim essas músicas carregam consigo uma semelhança enérgica, de uma época específica, isso faz com que elas se agrupem tão bem. E por conta disso (das músicas terem sido compostas quase que juntas, na mesma época) nota-se que existe algumas ideias de progressão harmônica que são usadas mais de uma vez no álbum em diferentes músicas, dá pra perceber também que algumas canções estão dentro da mesma tonalidade e quase da mesma intenção... são algumas das coisas que não foram muito pensadas mas contribuíram muito para dar cara ao CD.

RR - Me fale quem gravou todas as partes e onde foram captadas e produzidas?

A & R - As músicas “Flores Mortas”, “Calor de Inverno” e “Uma Poesia Qualquer” foram gravadas no estúdio Cosmic Records em São José do Rio Preto, com Junior Muelas na bateria e Paulo Garrido no baixo (e bateria em Uma Poesia Qualquer); Eu (Rafael) toquei as guitarras e violões e a Ananda gravou os vocais. Já as canções “Castelo de Ar”, “De Novo”, “Caminho Pra Lugar Nenhum” e “Combinação e Rima” foram gravadas em Birigui com o Bryan, no estúdio Baietta Produções. Nesse processo ele gravou todas as baterias, o baixo em “Castelo de Ar” e o violão em “De Novo”, mais os teclados MID. Eu gravei as guitarras e os baixos em “De Novo” e “Combinação & Rima”; a Ananda gravou o baixo em “Caminho Pra Lugar Nenhum” e as vozes. O primeiro processo citado teve um processo mais orgânico gravado quase ao vivo, com timbres mais naturais e captados através da microfonação. Já o segundo processo foi um pouco mais moderno, com exceção das vozes e bateria, os outros instrumentos foram gravados direto na mesa analógica explorando uma produção mais moderna. E era essa a nossa proposta, explorar essas duas dinâmicas entre as sonoridades mais antigas e as mais atuais, trabalhando e misturando em cima das nossas influências que mesmo distintas tendem a conversar entre si.

RR - Numa mesma música é possível encontrar suavidade, pegada rock e groove. Das mais pegadas como “De Novo”, às balançantes “Caminho pra Lugar Nenhum” e “Combinação e Rima”, ao psicodelismo de “Flores Mortas” e “Calor de Inverno”. Como os elementos e harmonias foram trabalhados nas faixas?

A & R - As músicas nasceram de forma bem mais natural e expressiva do que racionalmente, por isso as harmonias e os elementos acabam sendo trabalhados de forma alegórica, tentando ilustrar bem os caminhos que cada música percorre; a intenção é que o instrumental, junto com a letra, contém a mesma história, sabe? Eu vejo a construção da música de duas formas: como uma estrada onde vamos trilhando alguns caminhos e/ou como um quadro onde vamos desenhando e pintando e adicionando elementos e cores para dar vida àquela imagem... então acho intrínseco a ideia de que os arranjos caminhem juntamente com a letra, colorindo e dando vida e trazendo verdade ao que está sendo cantado e contado.

RR - O livre direcionamento de cada faixa não impede que todas elas acabam sempre tendo um tempero e inserções rock and roll. “Brasa de Cetim” seria também um disco de rock?

A & R - Acreditamos que sim, é e ainda em português (risos)... acho que, mesmo fugindo de rótulos e estilos, estamos um pouco guinados à um soft rock por conta da maioria dos elementos musicais presentes no nosso álbum, mesmo que ainda exista outros elementos de outras vertentes como o funk, blues e até mesmo o pop, mas não estamos tão ligado àquelas coisas de riffs pesados e coisa e tal... Nós escutamos muita música em formato de vinil e acabamos ouvindo alguns discos de rock'n roll como “Fire and Water” (Free) ou “Guitar Man” (Bread) que nos mostraram uma forma de unir peso, intensidade e profundidade através de arranjos menos "pesados", vamos dizer assim... acho que o rock engloba muita coisa e algumas delas você encontra no nosso álbum... por isso a resposta é sim.

RR - Vocês já testaram as faixas ao vivo? Há planos para que os sets sejam baseados no material do disco?

A & R - Todas as músicas já foram tocadas ao vivo no formato acústico, mas estamos preparando shows de lançamento do CD com banda, pra apresentar as canções autorais e nossas influências nesse trabalho em específico. Os shows já têm data marcada e acontecerão em Araçatuba/SP nos dias 22 e 23 de Abril (2023). Entre as influências estão Pink Floyd, Erasmo Carlos, Som Nosso de Cada Dia, Billie Eilish, Black Pumas e outros nomes que se comunicam bastante com nosso trabalho. A ideia desse show é unir tudo aquilo que influenciou direta ou indiretamente a criação das músicas do “Brasa de Cetim”.

RR - Como é conciliar o trabalho de vocês junto à produção e shows de outras bandas que atuam?

A & R - A gente trabalha com um agenda de uns dois meses de antecedência, com base nas conversas diárias que temos, conseguimos conciliar todos os trabalhos, até agora... com certeza nosso foco é música autoral e queremos muito levar esse trabalho adiante, não só através dos lançamentos dos trabalhos, mas através de shows ao vivo e contato direto com o público... porém confessamos que ainda é bem complicado ser artista independente no Brasil, então acabamos priorizando os nossos trabalhos covers que geralmente é o que tem pago nossas contas no momento!

RR - Vocês optaram também por mídia física (CD), mesmo hoje em dia onde o streaming tende a dominar. Você acredita que a mídia física pode dar uma emoldurada com mais classe à obra musical criada?

A & R - Acredito que sim, de uma forma até romântica, mas sendo bem realista, infelizmente (risos) o CD é uma forma de monetizar nosso trabalho, como fazemos tudo de forma independente, os gastos pra produção e gravação das nossas músicas são nossos, sem patrocínio ou coisa do tipo. Conseguimos produzir o “Brasa de Cetim” através da venda de um CD Demo acústico que gravamos em 2021. Esse dinheiro foi revertido pra esse novo trabalho que precisa ter seu retorno pra um novo ser produzido e assim continuaria rodando a engrenagem. Mas como a ideia é monetizar de forma justa o trabalho e democratizar a música (permitir que todos os tipos de consumidores tenham acesso ao nosso som), também criamos um link digital pelo drive para aqueles que não costumam ouvir mídia física e que, assim como o CD, também está à venda. Nesse link, além das músicas, temos letras, vídeos de agradecimento, do processo de gravação e criativo, encarte, ficha técnica, montamos como se fosse um vinil, porém digitalizado.

RR - Sabemos das dificuldades de artistas autorais independentes. Como está o trabalho de divulgação do disco e do trabalho do Uma Poesia Qualquer Brasil afora?

A & R - O trabalho é feito de forma bem orgânica mesmo, boca a boca, shows em bares, saraus e festivais, estamos preparando "lambe-lambes" pra divulgar nossos shows de lançamento do CD, e tudo fazemos por conta própria, buscamos ter um contato mais direto e real com nosso público; também usamos das redes sociais pra trocar mensagens com os amigos e contratantes, fazer postagens de divulgação e vídeos tocando, inclusive vendemos quase todos os nossos CDs através da internet, toda forma de contato é válida, mas estamos buscando um caminho nesse trabalho que consiga depender um pouco menos dos algoritmos (risos).

RR - Quais os planos da banda a médio e longo prazos?

A & R - Em primeiro momento continuar divulgando nosso novo trabalho que é o CD “Brasa de Cetim”, através das redes, do “boca a boca”, das rádios, dos shows e de todas as formas que pudermos. Temos planos de continuar escrevendo canções, porque queremos outros álbuns, e buscando cada vez fazermos mais shows até conseguirmos viver da nossa música. Acho que o plano é esse, viver da nossa música.

RR - Fique à vontade para deixas quaisquer outras informações do grupo e do álbum.

A & R - Encontrem a gente no instagram @1poesiaqualquer porque sempre teremos alguma novidade. Sobre o CD: tudo foi feito com muito carinho e amor, tudo foi pensado, desde a quantidade e escolha das músicas à ideia da capa que também quer dizer algo... buscamos nos comunicar de todas as maneiras e também agradecemos pela oportunidade de conversamos sobre nosso trabalho, foi um projeto que levou quase dois anos pra acontecer e sentimos muito orgulho de como chegamos até ele. Agradecemos ao Bryan do estúdio Baietta Produções em Birigui; Helio Suguiura, o autor do desenho da capa; Paulo Garrido da Cosmic Records de SJ do Rio Preto; Junior Muelas; todos aqueles que sempre nos fortalecem de todas as formas possíveis. Somos muito gratos por sempre termos tido os amigos por perto e a cada show conseguíamos fazer novos amigos, que permaneceram no caminho com a gente, no fim, sem eles, nada disso teria acontecido. Um beijo especial pra vocês da Ananda e do Rafa. Obrigado!

A aura musical que Uma Poesia Qualquer exala tem cara única. Difícil recordar de iniciativa similar no Brasil. Tem tudo para agradar desde fãs de MPB, rock setentista e blues/fusion. Começaram lá em cima com “Brasa de Cetim” e tem tudo para angariar cada vez mais reconhecimento no cenário musical brasileiro. Se eu pudesse apostar, diria que a dupla vai muito longe.

Metallica apresenta faixa-título de disco novo que chega em abril

 Flavio Leonel - do site Roque Reverso

Em mais uma tacada certeira de promoção de seu álbum novo que está prestes a ser lançado, o Metallica fez suspense nos últimos dias e liberou nesta quinta-feira, 30 de março, mais uma música para degustação. A escolhida da vez foi “72 Seasons”, nada menos que a faixa-título do disco, que chegará aos fãs no dia 14 de abril.

Com clipe caprichado, em mais um trabalho de direção de Tim Saccenti, o grupo norte-americano de thrash metal trouxe mais um petardo sonoro que já havia gerado boa impressão com os trechos antecipados durante a semana.

Tal qual a ótima “If Darkness Had a Son”, eleita por muitos até o momento como candidata a melhor faixa do álbum, a música que dá nome ao disco é longa, traz introdução de impacto, riff poderoso, alternância de variações, melodia de respeito e vocal contagiante.

Para muitos, a própria “72 Seasons” é a melhor do disco, gerando uma divisão entre os palpites dos fãs nas diversas redes sociais onde o assunto foi levantado.

Essas duas faixas chegaram ao público depois de “Screaming Suicide”, que veio em janeiro, e de “Lux Æterna”, primeiro single, apresentado pelo grupo em novembro de 2022, quando a banda trouxe todos os detalhes do disco.

Com o lançamento do álbum em abril, o Metallica romperá em 2023 nada menos que 7 anos sem um trabalho novo de inéditas de estúdio.

Será o 11º álbum de estúdio do grupo tocando sozinho músicas inéditas. No comunicado que trouxe em novembro as informações do novo álbum, a banda considera, porém, “72 Seasons” como seu 12º trabalho de estúdio.

Vale lembrar que o grupo lançou em 1998 o álbum “Garage Inc.”, que trouxe uma série de covers com a roupagem sempre espetacular do Metallica que, na maioria das vezes, melhora muito as versões originais.

Tal qual o ótimo “Hardwired…To Self-Destruct”, de 2016, o novo disco do Metallica contou com produção de Greg Fidelman, junto com o vocalista e guitarrista, James Hetfield, e baterista Lars Ulrich.

Serão 12 faixas, totalizando 77 minutos de gravação. Com seus mais de 8 minutos, a faixa-título superou “If Darkness Had a Son” que estava ganhando de longe em duração, com 7 minutos, se comparada as demais faixas já lançadas.

  

The Who vai bem em CD com orquestra, mas não recupera a relevência em 2023

Com a decepção pelo desempenho abaixo do esperado do último disco, de 2019, tanto em audições como em vendas, a veteraníssima banda inglesa The Who dediciu comemorar os 60 anos de carreira com mais um álbum ao vivo "revestido" de novidade.

"The Who featuring Isobel Griffiths Orchestra - With Orchestra Live at Wembley" é um bom rregistro da última grande turnê da banda pelos Estados Unidos e Inglaterra explorando a sonoridade já batida de ter uma orquestra por trás do som vigoroso da banda. Milhões de outras bandas fizeram a mesma coisa com competência, então a novidade é zero.

Os alarmes falsos de aposentadoria continuam e a dupla Roger Daltrey e Pete Townshend, que se aproxima dos 80 anos de idade, já assumem que não deverão mis produzir músicas novas - são apenas dois discos de inéditas desde 1982  mais algumas canções inéditas soltas em coletâneas.

Se a decisão é se tornar "covers de si mesmos", então que o façam de forma decente. E o fizeram bem no novo ao vivo, mas não nos nos enganemos: é mais do mesmo e mais nada.

Não que esperássemos lgo esfuziante e diferente, mas é sempre chato constatar que a banda vai continuar repisando os velhos clássicos - e são muitos - em turn~es intermináveis e que nada acrescentam em termos artísticos.

Já experimentaram todos os formatos possíveis - ao vivo, unplugged, com convidados especiais, tocando discos icônicos na íntegra - e faltava a adição de uma orquestra. 

Parece ser um último suspiro de um nome mais do que relevante na história da música ocidental, e que o caminho, a partir de agora, é a redução progressiva das atividades até que encerrem dignamente as mais de seis décadas de serviços prestados.

Há uma certa divergência a respeito de como se manter ativos aos quase 80 anos de idade. Daltrey não perde a oportunidade de dizer que não faz sentido criar novas músicas, já que ninguém se interessa por elas. Não se importa de tocar as mesmas músicas o tempo todo, algumas compostas em 1964.

O guitarrista Pete Townshend até admite ser difícil compor novas músicas para o Who, mas segue acreditando no trabalho criativo. Acaba de lançar um single, o primeiro solo em 30 anos, "Can't Outrun the Truth", uma canção simples de inspiração country embalada ao violão. Nada muito animador, mas é uma canção nova, pelo menos. 

Quando ao recente lançamento ao vivo, a banda teve o som encorpado com a orquestra e deu uma mudada no repertório, resgatando pérolas quase nunca rocadas ao vivo, como a balada 'Imagine a Man", do álbum "The Who By Numbers", de 1975. A versão ficou ótima, em que Daltrey, que adora essa canção de Townshend, mostra toda a sua qualidade ao interpretar de forma delicada.

A poderosa "The Punk Meets the Godfather", da ópera-rock "Quadrophenia", de 1973, é talvez a canção mais pesada que a banda já produziu e gravou. Ganha nova chance em um momento em que ela casa bem com arranjos orquestrais.

Duas músicas do mais recente álbum, "WHO", de 2019, entraram apenas por obrigação e para justificar o lançamento do disco. "Ball and Chain" e "Hero Ground Zero" certamente mereceriam mais atenção se fosse gravadas no passado, mas em 2019 e 2020 soam apenas como complemento de repertório.

As outras 16 músicas são as mesmas de sempre, com uma ou outra variação, já que "Join Together" e "Emminence Front", duas qu eram raras, estão no repertório desde 2015. Há outra recuperação, a versão acústica da melancólica "Tea and Theatre", de "Endless Wire" (2006), que encerra o show, assim como era na época em que fi lançada.

Dois clássicos ressurgem em versões desplugadas - "Won't Get Fooled Again" e "Behind Blue Eyes" - e pouco acrescentam ao que jpa fizeram no passado.

É uma obra agradável, mas não é relevante para a carreira da banda. Os fãs pouco exigentes vão adorar; os pouco íntimos com a discografia da banda não ficarão impressionados, mas não deixarão de perceber que a banda tocou com bastante disposição - adoram os palcos mesmo com a idade avançada - e que a orquestra foi muito bem, mesmo soterrada pelo pese dos instrumentos elétricos.

Buddy Guy se despede dos palcos em passagem pelo Best of Blues and Rock

Nome confirmado para a 10ª edição do Best of Blues and Rock, o guitarrista norte-americano Buddy Guy sobe ao palco do evento e apresenta a 'Damn Right Farewell Tour'. O festival acontece nos dias 2, 3 e 4 de junho, na plateia externa do Auditório Ibirapuera, em São Paulo.

A turnê de despedida da lenda do blues, que teve início em 24 de fevereiro nos Estados Unidos, já passou por diversas cidades, sempre com casas cheias, e nos próximos dias passa pelo Canadá e Austrália, antes de desembarcar no Brasil.

No Best of Blues and Rock, Buddy Guy se apresenta nos dias 3 e 4 de junho (sábado e domingo) e comemora a passagem por São Paulo em suas redes sociais: "Mal podemos esperar para voltar a São Paulo para o festival Best of Blues and Rock", diz o artista.

No repertório dos espetáculos não tem ficado de fora músicas como 'Damn Right, I've Got the Blues', 'Drowning on Dry Land', 'Rock Me' e 'I Let My Guitar Do the Talking'.

Influência para nomes como Jimi Hendrix, Eric Clapton e Stevie Ray Vaughan, o artista de 86 anos ganhou seu 8º e mais recente prêmio Grammy, em 2019, por seu 18º LP solo, 'The Blues Is Alive And Well'.

Além de Buddy Guy, o festival contará com shows da banda Extreme (com Gary Cherone nos vocais e Nuno Bettencourt na guitarra), Tom Morello (membro das bandas Rage Against the Machine e Audioslave), o superpremiado guitarrista Steve Vai, além dos artistas nacionais Day Limns e as bandas Ira! e Dead Fish. O festival anunciou esta semana mais uma atração internacional: a banda Goo Goo Dolls que apresentará entre seus sucessos, a icônica música 'Iris'.

Os ingressos para o Best of Blues and Rock podem ser adquiridos com parcelamento em até 10 vezes pelo site da Eventim ou na bilheteria do Estádio do Morumbi, nesse último sem taxa de conveniência. Os fãs contam com a opção Combo Promocional, que dá direito a assistir aos três dias do festival. Também está disponível para todo o público a Entrada Social, mediante a entrega de um agasalho na entrada do evento. O valor dos ingressos é a partir de R＄450,00.

SERVIÇO:

Best of Blues and Rock 10 anos

bestofbluesandrock

Data: Dias 2, 3 e 4 de junho de 2023

Local: Plateia externa do Auditório Ibirapuera: Av. Pedro Álvares Cabral -Ibirapuera - São Paulo

Classificação: 16 anos (menores podem comparecer acompanhados de responsável legal)

Ingressos:a partir de R＄ 450,00 (meia-entrada)

Vendas online: Link

Bilheteria oficial SP - sem taxa de conveniência

Estádio do Morumbi - Bilheteria 05 (próximo ao portão 15)

Avenida Giovanni Gronchi, 1866 - Morumbi - São Paulo - SP - 05651-001

Funcionamento: Terça a sábado das 10h às 17h - Não tem funcionamento em feriados, dias de jogos ou em dias de eventos de outras empresas.

Parcelamento em até 10x nos cartões Visa, MasterCard, American Express e ELO.

Realização: Dançar Marketing

Importante: adquira seus ingressos na plataforma oficial. A Dançar Marketing e a Eventim não se responsabilizam por ingressos adquiridos em plataformas não oficiais de vendas.

Ira! faz show para lembrar o disco conceitual 'Psicoacústica'

No próximo dia 1º de abril (e não é mentira), a banda IRA! celebra os 35 anos do álbum "Psicoacústica" com um show especial no Teatro Bradesco, em São Paulo. Além de apresentar ao vivo o repertório do cultuado álbum, o grupo, formado por Nasi (voz), Edgard Scandurra (guitarra), Johnny Boy (baixo) e Evaristo Pádua (bateria), arremata o show com os grandes sucessos e clássicos dos seus mais de 40 anos de carreira.

Após o sucesso comercial de "Vivendo e Não Aprendendo" (1986), seu segundo álbum, que apresentou músicas que nunca mais deixariam o repertório da banda como "Dias de Luta", "Envelheço na Cidade" e "Flores em Você" (que foi trilha sonora de novela), o IRA! não se acomodou e concebeu o conceitual "Psicoacústica", incompreendido em seu lançamento, mas que se tornou cultuado nas décadas seguintes, figurando entre os 100 maiores discos da música brasileira, em lista elaborada pela revista Rolling Stone em 2007.

"Trata-se de um faroeste sobre o terceiro mundo", frase extraída do filme "O Bandido da Luz Vermelha" (1968), do cineasta Rogério Sganzerla, aparece como sampler na abertura de "Rubro Zorro", primeira das oito faixas do disco, que foi revisitada no "Acústico MTV" (2004), maior êxito comercial do IRA!, até então, e se tornou presença constante nos shows da banda.

Os samplers e scratches fizeram parte não somente do álbum, mas também dos shows da época, onde o vocalista Nasi assumia as picapes usando óculos 3D, acessório que acompanhava o vinil e enriquecia a extinta experiência de contemplar as artes das capas dos discos.

As incertezas da juventude, sentimento marcante nas primeiras letras do IRA!, e o recente contato com a fama estão presentes nas músicas "Manhãs de Domingo" e "Poder, Sorriso e Fama".

"Receita para se fazer um herói", um reggae sobre a poesia do português Reinaldo Ferreira, cuja autoria foi descoberta anos depois, após um curioso imbróglio envolvendo um colega de Edgard Scandurra no Serviço Militar Obrigatório, que rendeu a seguinte inscrição na capa do disco: "Esteves, cadê você?".

A instigante "Pegue Essa Arma" abre o duo mais rock 'n roll do disco, junto de "Farto do Rock 'n Roll", cantada por Edgard Scandurra, uma reflexão sobre a busca por "outros sons, outras batidas, outras pulsações", que a banda vivenciava naquele momento, demonstrada, por exemplo, em "Advogado do Diabo", um misto de rock, rap e maracatu, que foi pinçada, anos depois, por Chico Science e a Nação Zumbi, em performances ao vivo. Depois de um turbilhão sonoro, a acústica "Mesmo Distante", encerra o álbum de maneira calma e reflexiva.

A edição em fita cassete continha ainda uma versão ao vivo de "Não Pague Pra Ver", gravada durante a conturbada apresentação do IRA! no festival "Hollywood Rock", no início de 1988.

IRA! se apresenta no dia 1 de abril, no Teatro Bradesco, e já tem ingressos à venda pelo site uhuu.com ou bilheterias dos teatros.  

SERVIÇO

IRA! PSICOACÚSTICA 35 ANOS

Teatro Bradesco (Rua Palestra Itália, 500 – Bourbon Shopping São Paulo – Perdizes)

www.teatrobradesco.com.br


Duração: 90 min.

Classificação: Livre

Acessibilidade

Ar-condicionado

Capacidade: 1439 pessoas

Data: 1º de Abril

Horário: 22h

INGRESSOS

Plateia baixa 140,00

Plateia Alta 125,00

Frisa Mezanino 110,00

Balcão Nobre 95,00

Frisa Central 80,00

Frisa Superior (1ª fila) 75,00

Canais de venda oficiais:

Uhuu.com - com taxa de serviço

https://tinyurl.com/yc5zkbd2


Bilheteria física – sem taxa de serviço

- Teatro Bradesco (Shopping Bourbon)

- Teatro Opus Frei Caneca (Shopping Frei Caneca)

De segunda a domingo, das 12h às 20h (pausa almoço: 15h às 16h)


Formas de pagamento:

- Bilheteria dos teatro: dinheiro, cartão de crédito e cartão de débito

- Site da Uhuu.com e outros pontos de venda oficiais: cartão de crédito

Cartões de créditos aceitos: Visa, Mastercard, Diners, Hipercard, American Express e Elo

Cartões de débito aceitos: Visa, Mastercard, Diners, Hipercard, American Express e Elo

Decisões de Skank e Plebe Rude expõem o dilema de bandas grandes do rock nacional

 No ano em que diversas bandas importantes da música brasileira comemoram 40 anos de carreira ou do lançamento de um álbum, ressurge uma discussão que permeou vários debates ao longo deste século: está o rock nacional diante de um dilema crucial para que tenha algum futuro? Ou será que está fadado a se tornar um produto marginal e de nicho, como ocorre com o blues no Brasil e nos Estados Unidos?

Qual é a imagem que fica? A do Skank, que teve a honestidade de admitir que não conseguiria produzir algo relevante a partir de agora - e teve a coragem de encerrar a atividades? Ou a da Plebe Rude, que lançou dois álbuns maravilhosos e que projeta um futuro interessante?

Dentro dessa mesma geração de músicos que atingiram os 60 anos de idade, teremos qual padrão: o de atividade essencial de produzir canções novas, mas sem grande impacto, como os Titãs, ou ficar no conforto do catálogo recheado de hits, como os Paralamas do Sucesso, que aparentemente desistiu dos álbuns novos, com canções inéditas?

Samuel Rosa, do Skank, colocou o dedo na ferida em várias entrevistas ao explicar a decisão do quarteto mineiro de encerrar a carreira: "Percebemos que não tínhamos mais para onde ir, que não havia mais caminhos a explorar. Corríamos o risco de patinar, ficar no mesmo lugar. Era hora de parar e honrar nosso legado. Não queríamos virar covers de nós mesmos, ficar tocando as mesmas músicas sempre, Não queríamos gravar novas músicas por obrigação. As coisas mudaram, e nós mudamos>"

Muita gente interpretou como uma alfinetada em amigos e em ao menos duas gerações do rock nacional. Afinal, das bandas que ainda estão na ativa, dá para contar em uma só mão aquelas que mantém shows com músicas mais novas e álbuns recentes com músicas inéditas.

E não é que é difícil discordar de Rosa, caso compremos essa interpretação? Vamos tentar lembrar quais são discos de inéditas mais recentes de Paralamas do Sucesso, Ira!, Barão Vermelho, Capital Inicial, Camisa de Vênus e artistas contemporâneos...

A contradição que explicita o dilema é que todas essas bandas estão vendendo tanto quanto ou até mais ingressos do que quando estavam no auge, nos anos 80 ou 90. 

A turnê "Titãs Encontro", que reúne todos os ex-integrantes vivos aos trio fundador em uma turnê de 40 anos de existência, está com ingressos esgotados, forçando os organizadores a abrirem datas extras, cujos bilhetes acabam em minutos.

Os Paralamas do Sucesso lotam estádios e ginásios o tempo todo e foram aclamados em sua apresentação no último Lollapalooza, conquistando uma geração de jovens de menos de 20 anos que sempre ouviam as canções, mas nunca imaginavam que ELES eram os autores/intérpretes.

O Skank anunciou há quase dois anos que encerraria a carreira depois de 32 anos, mas não antes de fazer uma extensa turnê. Venderam todos os ingressos em todos os shows que fizeram em 100 cidades brasileiras desde então. 

A apoteose foi o show de encerramento, o último de todos, no estádio do Mineirão, na Belo Horizonte natal, onde colocaram mais 80 mil pessoas. Se fizessem como o Coldplay, que engatou uma sequência de mais de dez shows de "despedida" no mesmo Mineirão, lotaria todas as datas.

Dinho Ouro Preto, vocalista do Capital Inicial, afirmou recentemente que não esperava que sua banda vendesse tantos ingressos como está ocorrendo na atual turnê. 

Sua banda é um "case" de sucesso dentro de um contexto de revalorização de artistas que ajudaram a transformar o rock em um ritmo aceitável para o público brasileiro. Aparentemente, parece ser um movimento sustentável.

É bom que se diga que não é de hoje que a geração do BRock (Rock Brasil, aquela dos anos 80) mantém uma  popularidade considerável neste século, ainda ue com altos e alguns baixos. A bilheteria, quase sempre, era garantida.

Entretanto, após as restrições impostas pela pandemia de covid-19, o interesse por esses artistas redobrou. O sucesso do projeto "Barão 40", do Barão Vermelho, foi imenso em 2022, com ótimas vendas digitais dos quatro EPs com regravações de ingressos para os shows. Foi tudo muito rápido.

O mesmo aconteceu com "Titãs Encontro" no mesmo ano. Quando de seu anúncio, algo bastante ansiado, o furor or imenso, traduzido pela venda altamente veloz de todos os ingressos dos primeiros dez shows anunciados. 

A cada show extra, os ingressos sumiam em tempo recorde. Nestes shows, nem se ventila a possibilidade de executar canções dos dois últimos bons discos - "Olhos Frura-cor" e "1e Flores Amarelas".

Surfando na mesma onda, mas mostrando mais coragem, a Plebe Rude tem tocado para plateias lotadas, mas tocando sucessos inevitáveis e as músicas dos dois volumes de "Evolução". A receptividade tem sido boa.

Na aparente armadilha dos 40 anos (de bandas)/60 anos (de idade), todos estão se dando bem e não parecem preocupados com o futuro imediato. As vendas de ingressos vão bem, muito obrigado...

Mas será que esse futuro será mesmo o de "covers de mesmos", como alertou Samuel Rosa? Até quando durará o fôlego das vendas altas de ingressos dos grupos neste movimento de "revival"?

Será que teremos de nos contentar somente com Titãs e Plebe Rude (e, talvez, Ira!) ousando lançar músicas novas?

No exterior, são vários os exemplos de aristas que decidem apenas revisitar o próprio catálogo e abandonar as novas composições.  

Os Rolling Stones gravaram sete músicas novas desde 2005, data do último álbum. Seis apareceram perdidas em coletâneas, já que eram pouco memoráveis. A melhor, "Living in the Ghost Town", lançada durante a pandemia, é a melhor, com alguma repercussão positiva.

Por mais de uma vez o vocalista Mick Jagger bradou que não fazia muito sentido gravar novas músicas devido ao pouco interesse por elas nos shows e nos sistemas que executam música hje no computador e nas rádios. 

Roger Daltrey, do The Who, repete a mesma coisa em entrevistas neste ano, afirmando que o último disco da banda, "WHO", de 2021, não repercutiu e "não deu em nada". "Lançar novas músicas não é mais rentável. É caro e não compensa."

É um movimento que tem bastante adeptos no mundo do rock clássico, onde os artistas demoram cada vez mais tempo para lançar material novo, casos de Metallica, Pearl Jam e U2,

O quarteto irlandês, por exemplo, caiu na tentação de reciclar seus sucessos. Os discos mais recentes, "Songs of Innocence" e "Songs of Experience", tiveram boa divulgação, mas a repercussão foi morna.

 O jeito foi partir para a regravação semiacústica de 40 de seus sucessos, inspirada pelo livro de memórias do vocalista Bono Vox, "Surrender" - cada capítulo, 40 ao todo, é intitulado por uma canção da do U2. 

O trabalho, lançado em formato de CD quádruplo, foi chamado de ousado por se tratar de uma "caixa", mas o resultado não foi bom, sendo que as novas versões são desidratadas e pouco emocionantes, como se retratassem a "velocidade" e o "estágio" da vida em que os sessentões estão.

Enquanto isso, artistas de gerações mais novas seguem lançando novos trabalhos sem se preocupar muito com o tamanho da audiência. 

"Criar música é uma necessidade artística e acho que isso deveria ser a regra. Um artista que abre mão da criação perde a essência de sua atividade", afirma Ricardo Vignini, violeiro que integra o duo Moda de Rock. "Para artistas do underground, como eu, a necessidade vai além. Quanto mais coisa nova eu produzo, crio e lanço, maior é o meu rendimento. Que assim seja!"

Na mesma toada vai o vocalista Thedy Correa, do Nenhum de Nós, em entrevista ao Combate Rock. sua band caminha para os 40 anos de existência. "A criatividade é o que nos empurra e nos fortalece. Boa receptividade e sucesso são consequência do bom trabalho, e são imprevisíveis."

Há uma corrente minoritária que deplora esse estado de coisas, com críticas fortes aos artistas que apenas vivem das glórias passadas e que bloqueiam o caminho de artistas novos de qualidade que encontram muito mais dificuldades para expor seus trabalhos.

É um argumento questionável, já que ´difícil provar essa tese. Além do mais, também é totalmente questionável o fato de que, se as bandas oitentistas estivessem todas aposentadas, ainda assim haveria espaço para aristas novos, quando se percebe que o próprio rock está em baixa no Brasil ha muito tempo.

Alheios a isso, bandas como Black Pantera, Autoramas, Boogarins e Malvada continuam escalando a árdua montanha do mundo musical com ótimos resultados, estando ou não vinculadas a gravadoras. Lançam material autoral de boa qualidade e atraem um público fiel e cativo, ainda que menos numeroso do que o das bandas dos anos 80.

"É saudável que tenhamos bandas grandes que conseguem vender muitos ingressos, independente de haver trabalho autoral novo", disse Evandro Mesquita, da Blitz, ao Combate Rock, outra banda que comemora 40 anos com turnê concorrida pelo país. "Com esse interesse pelo rock, renovado ou não, as chances de abrirmos os olhos e espaços para outros artistas ´maior do que se não hão houvesse nenhum rock. É hora para aproveitar todas as oportunidades."

Esse ponto de vista é compartilhado por muitos outros artistas de gerações diferentes, mas a questão central não tem respostas prontas ou certeiras. Como cobrar material autoral novo e de qualidade de qualquer banda send o público pouco se interessa em consumir esse material?

O dilema permanece, entretanto. O que sobrará quando o interesse pelo Brock anos 80 arrefecer e essas bandas decidirem permanecer no cenário? Terão o destino de The Fevers ou Roupa Nova, que se tornaram atrações de eventos "retrôs"? 

Ou será que os ótimos volumes de "Evolução", da Plebe Rude, conseguirão "contaminar" os contemporâneos e estimular a produção de música nova composta por músicos competentes, ainda que desconfiados a respeito das possibilidades de mercado?

Rápido panorama de um mês de rock explodindo em São Paulo

 * Lollapalooza 2023

Era para ter sido a melhor das dez edições brasileiras, mas o trabalho escravo "insiste" em perseguir o festival que oferece a maior diversidade musical e estética no Brasil na atualidade. 

A vergonhosa desistência do rapper Drake, supostamente em cima da hora, manchou também a credibilidade da marca, ainda mais pela falta de informações confiáveis a respeito dos motivos do cancelamento do show deste artista lamentável.

Em uma edição com muito pouco rock, - houve quem dissesse que nunca tão poucos roqueiros toraram no festival -, o destaque do gênero, para variar, foi a banda mineira Black Pantera, que colocou seu rock pesado e engajado mais uma vez a serviço dos direitos humanos.

Cobrada por participar de um evento mis uma vez manchado por denúncias (comprovadas) de trabalho análogo à escravidão, o trio mineiro fez bem de subir ao palco e escancarar a gravidade da questão. 

O Lollapalooza foi apenas mais um evento/empresa denunciada em 2023 pela prática nojenta e criminosa, realçando mais do que nunca o legado abominável do bolsonarismo depredatório que, na verdade, é anterior ao próprio governo nefasto de Jair Bolsonaro (PL).

Foi lindo ver o Black Pantera bradar "Fogo nos Escravagistas" no palco em que todos deveriam se envergonhar e mostrar o descontentamento a respeito de mais uma denúncia de trabalho escravo. O público, no entanto, não pareceu se importar com isso - para variar.

Pitty e Paralamas do Sucesso também foram muito bem, informando que o rock nacional vive tempos de efemérides, mas que entregam shows de ótima qualidade capazes de atrair um público jovem que se interessou bastante pelas "músicas antigas" - principalmente com uma galera bem nova não conhecia os artistas.

Entre os artistas internacionais, o Jane's Addiction mostrou que é uma potência no palco, misturando hard rock e pop com competência e inteligência. O repertório foi bem balanceado e evidencia que, aos 30 aos, o grupo de Perry Farrell se mostra ainda relevante.

Das bandas mais novas, merece destaque o Mother Mother, que nem é tão movo assim. Seu hard pop com pitadas de vocais rapeados agradou bastante quem se dispôs a encarar o calor do autódromo de Interlagos, em São Paulo.

* Angra Fest - São Paulo

O show paulista da turnê capitaneada pela banda Angra, no Terra SP,  foi uma celebração do rock brasileiro pesado que não figura os meios de comunicação, A banda de metal progressivo comemora 30 anos de carreira e está prestes a lançar mais um álbum de músicas inéditas em mais um recomeço diante de muitas dificuldades, em que a pandemia de covid-19 foi apenas uma delas.

A banda Malvada, ma das bandas brasileira em ascensão desde o ano ano passado, aproveitou da melhor maneira possível a chance de abrir um evento de grande visibilidade e arrancou elogios variados de um público pouco acostumado a um hard rock em português. 

Com canções de boa qualidade e um som mais pesado ao vivo, as meninas da Malvada chamaram a atenção e deixaram o Matanza Inc, que veio em seguida, em dificuldades. Jimmy London e seus amigos precisaram recorrer a um som mais punk do que nunca para ganhar a plateia, e conseguiu. O som era pura festa e acabou sendo um complemento bacana para o rock classudo da Malvada.

O Viper passa por mais um momento de reconstrução a caminho dos 40 anos de existência e está à beira do lançamento do mais novo trabalho, "Timeless", que promete ser o melhor da carreira. 

Muito experiente e com boas expectativas, mostrou que seu metal melódico não ficou preso ao passado e que funciona muito bem com duas guitarras novamente ao vivo com a chegada de Kiko Shred. 

Mais do que um passeio no passado, o som vigoroso e bem construído recapitulou alguns momentos importantes da história do metal brasileiro.

No caso do Angra, que fechou a noite, é tempo de comemorações. São 30 anos de uma trajetória nacional e internacional que só perde em importância para a do Sepultura no Brasil. E tem ainda os dez anos de permanência nos vocais do italiano Fabio Lione, aquele que só deveria quebrar um galho por alguns shows após a saída de Edu Falaschi.

O italiano está à vontade, falando português cada vez melhor e assimilando o jeito brasileiro de cantar e dar entrevistas. Já consegue dividir o protagonismo com o líder e guitarrista Rafael Bittencourt. 

Com uma formação estável há oito anos e com seus integrantes devidamente saciados com seus projetos paralelos, o Angra projeta um período de extremo trabalho com o novo álbum, que chega neste ano, e com muitos shows no exterior, algo que não ocorria havia muito tempo.

Seguro e á vontade no palco, o quinteto esbanja categoria dentro de um repertório extraordinário de canções certeiras - são poucas as bandas no mundo que conseguem ter à disposição tamanha quantidade de material que funciona ao vivo.

Em tempos de mercados invertidos e pervertidos, o Angra Fest se tornou uma boa ideia para otimizar custos e atrair de volta um público que ainda está retraído depois da pandemia.

* Black Crowes

O grupo americano Black Crowes estava no auge quando tocou no Brasil por uma única vez, em 199, abrindo para a dupla Jimmy Page e Robert Plant, no estádio do Pacaembu, em São Paulo Estavam tão empolgados que fizeram um show repleto de jams e não causaram muito impacto.

Eles voltaram à cidade quase 30 anos depois em um momento bastante diverso. Foram muitos hiatos ao longo do tempo devido às brigas entre os irmãos Chris (vocais) e Rich Robinson (guitarra), o que jogou os Black Crowes quase que no ostracismo.

De volta ao underground já beirando à meia idade, aproveitaram para recriar ao vivo o primeiro álbum, "Shake Your Money Maker" para se "reapresentarem" a um novo público e deu certo. Os shows estão lotados em casas de lotação média e voltaram a ser notícia.

O show que os paulistas viram no Espaço Unimed, na zona oeste, com ótimo público, foi quase o mesmo registrado no isco ao vivo recém-lançado. É uma banda revigorada, bem mais profissional e consciente do legado que tem e vai deixar. 

Os irmãos mostraram empolgação e vontade de tocar um rock'n'roll vintage, antigão mesmo, com os pés fincados nos anos 70 e no blues rock encharcado de bebida barata de botecos de beira de estrada, como costumavam tocar os Rolling Stones e os Faces nos anos 70.

E tome uma saraivada de hits como "Jealous Again", "Hard To Handle", "She Talk To Angels" e "Struttin’ Blues", todas do álbum "Shake Your Money Maker". 

Na sequência, eles tocaram ainda canções indispensáveis de outros álbuns, como "Sometimes Salvation", "Wiser Time", "Thorn In My Pride", "Sting Me" e "Remedy". Foi um show nostálgico, saudosista e sem receio de parecer ultrapassado. E daí? Foi uma apresentação monumental.

* Def Leppard e Motley Crue

Nostalgia e saudosismo também dominaram os shows das duas lendas do hard rock, mas ninguém deu a minima, como na apresentação dos Black Crowes. nem mesmo a tentativa de "cancelar" o Motley por conta das letras sexistas e, quando não, machistas, conseguiu estragar a festa. 

São 40 anos cantando as mesmas coisas e celebrando um estilo de vida, e só agora as pessoas prestaram a atenção nisso? 

Algumas letras não cabem mais em um mundo como o do século XXI, mas o contexto precisa ser observado, assim como no caso de muitas marchinhas de carnaval do Brasil

. Bandas como Rolling Stones decidiram tirar músicas do repertório por conta de certas "inadequações" e merecem aplausos. As que não o fazem estão sujeitas a críticas e protestos, quando não boicotes, o ue faz parte d democracia.

Quem foi ao Allianz Parque, em São Paulo, saiu satisfeito. São duas bandas importantes do hard rock que têm toneladas de sucessos e são muito eficientes ao vivo. 

O Motley Crue já anunciou duas vezes o seu fim, mas não aguenta ficar fora dos palcos. mesmo desfalcado de Mick Mars, o guitarrista que sempre foi sinônimo de riffs e solos fervilhantes e explosivos, o show da banda californiana é um convite à festa e ao som positivo e alegre - com altas doses de machismo e sexismo sim, para o bem e para o mal. O experiente John 5 substituiu bem Mars e nao comprometeu.

O som é datado e envelheceu mal? Em algumas canções sim, é evidente, mas em outras não. Não há como não sorrir com a caricata "Girls Girl Girls" ou na safada "Dr. Feelgood", que nos transportam a um tempo em que havia certa ingenuidade na explicitação de certo tipo de sacanagem. Hoje é caricato, mas há 40 anos esse tipo de música era afrontadora e perigosa. 

A inglesa Def Leppard sempre pareceu mais sofisticada e menos explícita, embora não menos perigosa. A partir do momento que se distanciou da NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), em 1983, assumiu o hard rock farofa sem medo, mas adicionou toneladas de blues ao seu hard rock e se diferenciou por conta de letras mais sutis.

A sofisticação sempre apareceu principalmente nos riffs de guitarra bem elaborados e nos esmerados trabalhos vocais e arranjos de bom gosto, um legado do produtor Robert "Mutt" Lange, que trabalhou com o AC/DC, que poliu o vulcão sonoro da banda nos primeiros álbuns.

No palco o def Leppard transmite essas mesmas características e entrega um shows primoroso mesmo estando longe de seu auge criativo. Ninguém lembra o nome de seu último álbum ou de suas músicas, mas os hits eternos obrigatórios são cantados a plenos pulmões. Pura nostalgia, mas e daí?

"Bring on the Heartbreak" ainda emociona, assim como "Pour Some Sugar on Me". "Rocket" é uma apoteose de rock positivo, e "Hysteria" remonta a uma época em que o mundo era menos complicado. E ainda teve "Animal", "Love Bites", "Photograph"... Valeu cada centavo.

*** Com informações de Marcelo Moreira, Henrique Neal, Nelson de Souza de Lima, Leonardo Silva e do site Roque Reverso

'Beck, Bgert & Appice', o disco mais explosivo de Jeff Beck, completa 50 anos

  Uma carreira estrelada na Inglaterra que foi abandonada de forma intempestiva para cair no rock pesado nos Estados Unidos. Bem, nem tanto de forma intempestiva, mas o suficiente pra irritar ex-companheiros de banda e empresários.

Jeff Beck ficou essa fama de irascível e turbulento quando resolveu dissolver a primeira encarnação do Jeff Beck Group, formado em 1966 depois que saíra dos Yardbirds. Era banda que tinha "só" Rod Stewart no vocais e Ron Wood no baixo...

E então o guitarrista inglês, provavelmente o melhor da história do rock depois de Jimi Hendrix, cumpriu a promessa de um dia tocar com a "cozinha" do Vanilla Fudge - Tim Bogert (baixo e vocais) e Carmine Appice (bateria), ambos americanos. 

Surgia, então, há 51 anos, uma das mais subestimadas bandas de rock pesado dos anos 70: Beck, Bogert & Appice. E o único disco lançado pelo trio atinge meio século de seu lançamento e ainda é um dos trabalhos mais cultuados dentro do rock mesmo que, na época, não tenha sido um campeão de vendas.

Era para ser a terceira formação do Jeff Beck Group, mas as saídas de dois músicos amigos - o vocalista Bob Tench e o tecladista Max Middleton, que eram da formação anterior - mudaram os rumos da história.

A grande questão é que Beck sempre teve pouca paciência, muito tédio e um monte de projetos para realizar. Já era uma estrela dos Tridents entre 1963 e 1964. Era tido como um geniozinho da guitarra e logo ficou amigo de gente importante na indústria do entretenimento de Londres. 

Então é necessária uma certa contextualização da carreira do temperamental guitarrista para entender como ele se meteu no rock pesado.

Gostinho do sucesso

As boas conexões o levaram a substituir Eric Clapton nos Yardbirds. A indicação foi de ninguém menos que Jimmy Page, então músico de estúdio. Os dois eram amigões e viviam enfurnados na casa de Beck tocando por horas seguidas.

Quando Clapton odiou a guinada pop dos Yardbirds com "For Your Love", em 1965, saiu de forma conturbada da banda em direção ao purismo do blues de John Mayall's Bluesbreakers.

Todo mundo sabia quem deveria ser o substituto: Jimmy Page, então com 21 anos e um dos mais talentosos músicos de estúdio da época. Só que ele não quis trocar o salário alto e o conforto de não precisar viajar em vans velhas. Recusou o convite, mas indicou Beck para o posto.

Foram quase 18 meses de ascensão, aprendizado e muita experiência, além do sucesso almejado e esperado, mas Jeff Beck era difícil de lidar e encrencava com todo mundo na banda, incluindo empresário e assistentes.

Ao contrário o que se supunha, Beck odiou quando o amigão Page aceitou, em 1966, largar o emprego nos estúdios e substituir o baixista Paul Samwell-Smith, mais um cara durão que não aceitava certos direcionamentos musicais e gerenciais. Saiu tretado, mas não brigado.

Beck sabia o que ocorreria em menos de um mês: o outro guitarrista, Chris Dreja, apenas mediano, aceitou trocar de posto com Page, que faria a dupla de guitarras com Beck. Estava instalada a competição interna e a crescente ascensão do experiente Page como líder dos Yardbirds.

Novos ares

Foram pouco mais de  quatro meses de convivência até Jeff Beck ficar doente durante uma excursão pelos Estados Unidos. Já entediado e buscando novos horizontes, mandou um telegrama para a banda avisando que estava voltando para casa, e os Yardbirds se tornaram um quarteto até o seu fim, dois anos depois.

Curiosamente, em um ensaio no final daquele ano em um estúdio londrino, Beck reencontrou Page e decidiram gravar um tema composto pelo então amigo reconciliado. 

Outro estava de passagem por ali e quis participar da brincadeira. Era Keith Moon, baterista do Who, na época muito amigo de Beck.

Quando Page se preparava para gravar o baixo, Moon interrompeu tudo e fez uma ligação. Em dez minutos John Entwistle, baixista do Who, chegava para dar uma "força". Nascia então "Beck's Bolero", que foi incluída no álbum de estreia solo de Beck.

Aventou-se a possibilidade de formar ali nova banda, já que a cozinha do Who estava insatisfeita e queria sair. Entwistle seria o vocalista, mas tudo não passou de um sonho de músicos bêbados, e nada rolou. 

"Não tinha como aquela banda decolar e fazer sucesso. Seria tão pesada que ficaria no solo, com se fosse um zepelim de chumbo", disse Moon aos amigos e depois numa entrevista. Page guardou o nome ("Led Zeppelin") para usá-lo no futuro.

Page ajudou a formatar o Jeff Beck Group em sua criação e gostou quando Rod Stewart e Ron Wood aceitaram tocar com Beck, assim como o ótimo baterista Mick Waller. Foram dois ótimos discos - "Truth" e "Beck-Ola" até que houvesse crise de ciúmes entre o cantor e o guitarrista. A banda implodiu em 1969.

Foram mais de doze meses para formatar um novo grupo, mas que seria voltado para a música negra americana, com menos rock e mais rhythm & blues, com pitadas de jazz. Entre 1970 e 1972, Bob Tench e Max Middleton foram figuras carimbadas.

O novo projeto rendeu dois LPs importantes nesta fase, que acabou quando Beck finalmente viu a possibilidade de trabalhar com Tim Bogert e Carmine Appice, que tocaram juntos no ótimo Vanilla Fudge e no melhor ainda Cactus, sempre com uma sonoridade mais rústica, ríspida e pesada.

Eles já se conheciam desde 1967, quando Beck conheceu o Vanilla Fugde e ficou impressionado com o poder sonoro da banda. Mantiveram contato pelos anos e o guitarrista sempre falava que um dia tocariam juntos.

Som mais pesado

Abandonando a soul music em meados de 1972, Jeff Beck queria soar mais pesado, de olho no sucesso de Led Zeppelin e The Who. Esperava ocupar um espaço que a morte de Hendrix, dois anos antes, tinha deixado.

No começo era a terceira encarnação da banda, com Beck, Bogert, Appice e Middleton, com adição posterior do vocalista Kim Milford. Foi tudo muito rápido: Jeff Beck Group se desmanchava em julho de 1972 e se reagrupava em agosto. Milford só durou seis shows, os de aquecimento pelos Estados Unidos.

Para a miniturnê inglesa, Beck recorreu a Bob Tench. Ainda como Jeff Beck Group, foram 13 shows na terra de Beck até que definitivamente o cantor e o tecladista Max Middleton saíssem da banda. Nasce o trio Beck, Bogert & Appice.

Urgência e potência

Ninguém entendeu muito bem os motivos de Beck querer um som mais "poderoso e violento", e foi isso o que obteve principalmente com Appice. Sua batida vigorosa e seu ritmo frenético encantaram o guitarrista, que acreditava poder oferecer uma alternativa de som pesado a Led Zeppelin e The Who.

O primeiro disco foi rapidamente gravado e chegou ao mercado no comecinho de 1973. Era denso, poderoso e explosivo, embora não conseguisse captar o caos musical dos palcos. 

Tem clássicos como "Superstition", de Stevie Wonder, "I'm So Proud", um rhythm and blues pesado, e um hard rock vigoroso com "Black Cat Moan", uma tentativa meio desastrada de Jeff Beck assumir os vocais principais. "Sweet Sweet Surrender" e "Why Should I Care" injetam bastante adrenalina no rock do trio, mostrando que a união seria bastante promissora.

Com agenda intensa, a banda passou por Inglaterra, Europa continental e explodiu no Japão, onde fizeram concorridos shows em Tóquio. Os empresários não perderam tempo e colocaram um álbum duplo ao vivo no mercado em outubro de 1973, meses depois do lançamento do álbum oficial.

A agenda frenética e os bons resultados não foram suficientes para que Beck mantivesse o foco. Havia uma certa frustração pelo fato de que o peso dos shows não se refletisse no álbum. 

Impaciente, enxergava uma certa estagnação que pretendia imprimir ao trio e esperava um baixo mais no estilo "trovão", como Entwistle fazia no Who. Um erro crasso, já que Tim Bogert nunca foi nem sombra daquele instrumentista, com uma forma diversa de tocar.

O guitarrista negava a perda de interesse, embora fosse meio explícita muitas vezes. Tanto que era o maior incentivador de criação de novas músicas para o segundo disco, que chegou a ser gravado, mas nunca finalizado. Mas reclamava da falta de uma grande turnê pelos Estados Unidos, que nunca era marcada.

Os três abdicaram do Natal e ficaram 15 dias nos estúdios em Los Angeles e em Londres, mas inexplicavelmente não terminaram os trabalhos. 

A última gravação foi a de um show que ocorreu no Rainbow Theatre, na capital inglesa, em 26 de janeiro de 1974, transmitido pela BBC. Era o primeiro show da turnê europeia de primavera.

Os shows foram bons, mas já havia um distanciamento entre os músicos. A cabeça de Beck estava em outras praias, e os rumores de separação surgiram logo depois do final da excursão.

Mergulho no jazz

O guitarrista já se encontrava em tratativas com outros músicos e produtores quando Tim Bogert confirmou em maio que a banda estava inativa e que não sabia se o trio continuaria.

Quando Beck entrou em estúdio sob a batuta do produtor George Martin (o mago dos discos dos Beatles), firmemente decidido a entrar de cabeça no jazz (!!!!), o trio Beck, Bogert & Appice não existia mais. Carmine Appice e Tim Bogert confirmaram a informação em julho.

Trilhando um caminho há muito seguido pelo amigo John McLaughlin, Jeff Beck explodiu como artista solo e desfrutou de muito sucesso os dez anos seguintes, enfileirando álbuns instrumentais de sucesso, como "Blow By Blow", "Wired" e "Live with Jan Hammer Group".

A partir do roqueiro álbum instrumental "Guitar Shop", de 1989, o prestígio do guitarrista só aumentou, enquanto que, em sentido inversamente proporcional, os lançamentos discos foram ficando cada vez mais espaçados.

Carmine Appice enveredou pelo hard rock e pelo heavy metal tocando em diversos projetos e bandas. os mais interessantes e bem-sucedidos foram o King Kobra e o Blue Murder.

Entre idas e vindas do Vanilla Fudge ao longo dos anos 80 e 90, Tim Bogert foi lentamente desacelerando. Teve uma passagem pela banda Bob and the Midnites e tocou com várias outras bandas menores. Morreu no ano passado, aos 76 anos de idade, em consequência de um câncer.

Steve Tyler, 75 anos: o verdadeiro sobrevivente do rock

 As brincadeiras são recorrentes a respeito de Keith Richards, o eterno e imortal guitarrista dos Rolling Stones. Ele sobreviveu à antes imortal rainha Elizabeth II, da Inglaterra, a Lemmy Kilnister (1945-2015), do Motorhead, outra lenda dos excessos mortais do rock and roll. Já se especula que tipo de mundo a humanidade deixará para ele...

Os memes e brincadeiras fazem sentido, mas se tem alguém que rivaliza com Ozzy Osbourne (ex-vocalista do Black Sabbath, que fará 75 anos de idade) em termos de sobrevivência roqueira é Steven Tyler, vocalista do Aerosmith, outro campeão de imortalidade e de clinicas de reabilitação.

Quem o conheceu nos anos 70 duvidava que ele chegasse aos 40 anos de idade por conta de todo tipo de excesso de drogas e bebidas. 

Se Mick Jagger e Keith Richards, a dupla criativa dos Stones, era conhecida como Glimmer Twins (gêmeos geniais), Tyler (nascido Stephen Talarico) e seu parceiro, o guitarrista Joe Perry (nascido Joseph Pereira) eram os Toxic Twins (gêmeos tóxicos).

Quando Tyler chegou aos 40, após passagens or clinicas de reabilitação, estava sóbrio, só bebia água, abandonara o cigarro e embalava um filho recém-nascido nos bastidores. 

Entretanto, nem ele sabe quantas recaídas teve nos 35 anos seguintes, o que colocou a existência do Aerosmith, há 53 anos na estrada, em risco algumas vezes, como Perry detalhou em sua autobiografia. E não que é que aquela "imitação" de Mick Jagger sobreviveu a tudo e a todos?

Baterista conhecido nas imediações de Boston, nos Estados Unidos, Steven passou por inúmeras bandas até topar com alguns moleques mais novos por volta de 1969. Em média, era quatro anos mais velho que o restante da formação inicial do que viria a ser o Aerosmith e logo assumiu a liderança daqueles garotos que só sabiam tocar desafinado e tomar muita cerveja.

A banda toma forma só em 1970, mas pouca coisa acontece nos dois anos seguintes, embora tocassem muito em todo tipo de pardieiro e espelunca  a troca de quase nada.

Vivendo de subempregos e praticamente sustentando os colegas, quase desistiu depois que uma ordem de despejo or falta de pagamento de aluguel chegou. os garotos podiam voltar para as casas dos pais, mas ele já tinha 24 anos e não tinha renda. 

E então chegam uma luz e alguns contatos para a gravação de um álbum. "Aerosmith" saiu em 1973 e não era lá essas coisas, mas tinha a balada "Dream On", que salvou a lavoura.

O contrato era ruim, mas deu o fôlego necessário para continuar nos botecos da vida até que a inspiração finalmente colocasse a banda no topo com o terceiro álbum, "Toys ih the Attic", de 1975. E o conto de fadas virou realidade, com o reconhecimento e o dinheiro vindo na sequência.

Letrista de bons recursos, Tyler ganhou fama e fortuna adorou a vida de celebridade e as "facilidades" que costumam estar associadas. Uma vez declarou que ele tinha "cheirado" o avião que a banda tinha alugado - numa alusão ao vicio em cocaína tão acentuado que teria motivado a "venda" da aeronave.

Também adorava bradar, em tom de galhofa, que ele e a banda tinham cheirado o "PIB (Produto Interno Bruto) da Bolívia", e depois do da "Bolívia e Colômbia juntas"... Só que não era tão engraçado assim, e a escala de exagero dá conta do quanto eles chafurdaram no fundo do poço.

As brigas entre os integrantes e destes com empresários não muito honestos cobraram um preço bem alto. Joe Perry saiu em 1979 desiludido e partiu para a carreira solo, voltando a tocam em bares de beira de estrada; o outro guitarrista, Brad Whitford, saiu no ano seguinte e também voltou ao underground ao formar uma banda com o guitarrista e vocalista Derek St. Holmes.

Tyler e o baixista Tom Hamilton assumiram o leme, mas não evitaram o naufrágio mesmo com dois novos guitarristas - Jimmy Crespo e o francês Rick Duffay. Entre 1980 e 1984, apenas um álbum, o fraco "Rock and a Hard Place", de 1982, e muitas dívidas. 

A solução era óbvia: os dois ex-guitarristas tinha de voltar, já que as separações prejudicaram todos. Em 1984, ao final de um concerto que encerrava uma turnê apenas razoável. Perry e Whitford, convidados de honra, foram a uma sala reservada na administração do ginásio. Tyler, Hamilton e o baterista Joey Kramer os esperavam para reatar a amizade e a volta dos dois ao grupo. 

Crespo e Duffay sentiram o cheiro de queimado meses antes, mas nem desconfiavam de que estavam demitidos, segundo a lenda.

Parecia que tudo voltava ao normal, só que não. O vicio cada vez mais pesado em drogas mais pesadas ensejou um ultimato de Joe Perry meses depois, durante a gravação do mediano disco "Done With Mirrors": ou ia para a reabilitação ou o guitarrista sairia de novo.

O relutante vocalista terminou as gravações e sumiu, apesar dos shows marcados. Aos trancos e barrancos, retornou e, ao fim de rápida turnê americana, foi para uma clínica.

Aparentemente recuperado, Steve Tyler injetou novo ânimo e ajudou ao Aerosmith a se tornar uma superbanda de encher estádios e de rivalizar em vendas com Metallica, Kiss, U2 e Van Halen. 

Os discos "Permanent Vacation" (1987) e "Pump" (1989) consagraram a banda e transformaram Tyler em um festejado letrista, ainda que com a ajuda de "terceirizados", como o produtor e compositor avulso Desmond Child.

O hard rock ainda estava lá, mas o acento pop era marcante, assim como as baladas pungentes e assumidamente bregas, como "Angel" e a quase country "What It Takes".

A banda saiu do sufoco financeiro, seus integrantes ficaram milionários, pelo dois deles enfrentaram o câncer e tiveram de aguentar Tyler voltar mais algumas vezes para a reabilitação - e também "pequenas traições".

O cantor, sem avisar ninguém, aceitou ser jurado d de um reality show musical, do tipo de "The Voice Brasil", da TV Globo, o que inviabilizava gravações. Mas o pior veio em seguida: ele se ofereceu para ser vocalista do Led Zeppelin... E não avisou os companheiros.

Depois da histórica reunião da banda inglesa em dezembro de 2007 para show único, em Londres, houve várias propostas para outros shows e uma volta definitiva, mas Robert Plant, o vocalista, recusou todas. 

O guitarrista Jimmy Page e o baixista John Paul Jones pensaram em continuar e receberam a sugestão de "testar" Tyler. O que deveria ser um segredo logo vazou e virou um escândalo.

Houve novo perdão, mas Joe Perry admite em sua autobiografia que as coisas não foram mais as mesmas desde então, embora a banda ainda exista mesmo sen gravar coisas inéditas desde 2015. Um CD de versões de blues atenuou as rusgas, o que levou aos planos de aposentadoria da banda.

O Aerosmith fez duas grandes turnês de despedida, mas nada indica que devam parar tão cedo, por mais que a idade e a saúde cobrem o preço. 

Aos 75 anos, Tyler ainda canta bem, mas está sem fôlego e tem alguns problemas de mobilidade por conta de algumas quedas do palco ao longo dos anos. 

As fofocas do mundo do hard rock dão conta de que a banda, finalmente, vai anunciar uma turnê de despedida - e Tyler, finalmente, poderá se dedicar a uma vida mais sossegada como cantor de country music, como demonstrou em seu único solo.

Jane's Addiction faz show memorável em 'esquenta' para Lollapalooza

 Flavio Leonel - do site Roque Reverso

Para um pequeno e seleto público que migrou para a zona oeste de São Paulo na quinta-feira, 23 de março, o Jane’s Addiction realizou seu melhor show dentre todos os poucos realizados no Brasil. 

Com uma levada intimista, favorecida pela pequena Audio, o grupo norte-americano desfilou bons sucessos da carreira e empolgou os fãs presentes, boa parte deles admiradora desde os Anos 1990, quando a então banda da cena alternativa estourou mundialmente.

O show da quinta-feira foi a apenas o terceiro do grupo no País e foi realizado dias antes de a banda tocar no Lollapalooza 2023. Com um set list mais robusto de 15 faixas, com a levada intimista e sem a pressão de horários sempre imposta por festivais, a apresentação na Audio superou não apenas as do Maquinária Festival de 2009, como também as do Lolla de 2012 e de 2023.

Houve quem pensasse que os hiatos na carreira do Jane’s Addiction, bem como a pouca presença da banda em shows no Brasil e a falta de uma construção de um público mais jovem nas últimas décadas gerasse uma plateia decepcionante na Audio.

O cenário final foi, no entanto, uma invasão da casa de fãs antigos e sedentos por um show que lembrasse a fase mais alternativa do grupo.

Vale destacar que, até poucos minutos antes do início do show, a sensação era justamente de uma casa com menos da metade da capacidade preenchida. 

Em dia de greve do metrô na capital paulista, o atraso de pouco mais de meia hora do show foi providencial para que o público enchesse a maioria dos setores praticamente no início da apresentação.

Atrativos

Além de o show na Audio ser o primeiro do Jane’s Addiction num lugar fechado em São Paulo e no Brasil, havia outros atrativos para público que foi ver a banda.

Um deles foi o retorno recente (desde 2022) do baixista da formação clássica Eric Avery ao grupo, um detalhe que faria toda a diferença no decorrer do show.

Outro foi a estreia, em terras brasileiras, do guitarrista Josh Klinghoffer, ex-Red Hot Chili Peppers, com a banda. Ele substitui o guitarrista original Dave Navarro, que passou por problemas de saúde ligados à covid longa desde dezembro de 2021.

Como Navarro não deu ainda sinais de recuperação completa, vem sendo substituído por Klinghoffer em shows nestes primeiros meses de 2023.

O show na Audio

A apresentação na Audio já começou com uma mudança na estrutura do set list. Diferente de boa parte das apresentações recentes ou costumeiras do Jane’s Addiction, não foi “Stop!” a música escolhida para começar o show, mas “Up the Beach”, do álbum de estreia de estúdio “Nothing’s Shocking”, de 1988.

Com a faixa de abertura, além das músicas “Trip Away” e “Whores”, ambas do álbum de estreia ao vivo “Jane’s Addiction”, de 1987, o show demorou um pouco a agitar pra valer o público, que se manteve mais contemplativo nessas primeiras faixas.

Chamava a atenção desde o início, no entanto, o bom entrosamento da banda, mesmo com o pouco tempo de Josh Klinghoffer com os parceiros.

O guitarrista não decepcionou nas faixas e claramente estava curtindo aquele momento com a banda. Eric Avery aproveitou todos os momentos marcantes de baixo das faixas do Jane’s Addiction para mostrar o quanto ele é importante na performance do grupo. O baterista Stephen Perkins foi a energia em pessoa e era impossível não se empolgar com seu desempenho na Audio.

Por fim, o vocalista e líder Perry Farrell estava num dia gigantesco. Acompanhado de uma garrafa de vinho durante a maior parte do show, ele estava bem mais relaxado que em apresentações anteriores da banda em terras tupiniquins.

Também claramente curtindo aquele momento, ele conversou diversas vezes de maneira simpática e agradável com a plateia, além de trazer uma performance vocal que lembrou bons momentos da carreira.

E foi com a ótima “Ain’t No Right”, do clássico álbum “Ritual de lo Habitual”, de 1990, que o show finalmente engrenou e empolgou a Audio por inteiro.

A partir daquele momento, o show transcorreu com a contemplação das músicas iniciais, mas com a participação mais intensa da plateia, sempre regida pelo ótimo frontman Perry Farrell.

“No One’s Leaving”, “Ted, Just Admit It…” (única do “Nothing’s Shocking” neste período da apresentação com o “mar” de “Ritual de lo Habitual”), “Then She Did…” e “Obvious” mantiveram o revival de Anos 1990 na Audio.

Para completar o clima intimista e diferente daquela noite, houve a performance burlesca e sensual de três garotas que dançavam e se portavam como uma espécie de pin-up moderna, com cenas que fariam alguns que “descobriram” as tendências do Mötley Crüe no show do começo do mês no Allianz Parque ficar de cabelo em pé.

Entre as dançarinas, estava Etty Lau Farrell, que já acompanha o marido Perry há um bom tempo nos shows e é fundamental para levar o clima de sensualidade às apresentações.

Em “Chip Away”, liderados pelo baterista Stephen Perkins, o guitarrista Josh Klinghoffer e o baixista Eric Avery assumiram a percussão e deixaram a Audio com a energia ainda mais intensa.

Após a faixa “Kettle Whistle”, o Jane’s Addiction emendou uma série de hits. E eles transformaram a casa de shows paulistana num ambiente mais do que agradável, com o público cantando a plenos pulmões.

“Mountain Song”, do “Nothing’s Shocking”, era, talvez, a mais aguardada da noite e tem um poder impressionante sobre a plateia, que entrou em estado de êxtase.

As ótimas “Three Days” e “Stop!”, do “Ritual de lo Habitual” fecharam a primeira parte do show de maneira brilhante, com a banda em um entrosamento elogiável.

Após breve pausa, os músicos voltaram para o bis com mais dois sucessos obrigatórios no set list do Jane’s Addiction: “Jane Says” e o mega hit “Been Caught Stealing”.

Longe de dizer que as apresentações no Maquinária Festival e no Lolla de 2012 tenham sido ruins ou decepcionantes, mas faltava um show em São Paulo do Jane’s Addiction com esse clima mais intimista numa casa pequena e sem regras e horários de festivais.

Saldo final e comparação com o Lolla de 2023

O saldo final na Audio foi um público saindo do local realizado e feliz, assim como a própria banda, que tocou dias depois, no sábado, 25, no Autódromo de Interlagos, com a mesma qualidade, mas com uma performance bem mais enxuta no Lollapalooza 2023.

Enquanto, na Audio, foram 15 músicas e o maior set list apresentado no Brasil na carreira do grupo, no Lollapalooza, foram 10, tendo como maior diferença a inclusão da música “Ocean Size”, do “Nothing’s Shocking”, que até estava no repertório original da Audio, mas acabou não sendo tocada na ocasião.

No festival, o Jane’s Addiction optou pelo show de hits e se apresentou numa tacada só, com o sol se pondo numa tarde de sábado com alta temperatura na capital paulista, superior aos 30 graus Celsius.

No final do show, com “Chip Away”, a banda homenageou o baterista Taylor Hawkins, do Foo Fighters, cuja morte completou 1 ano exatamente no dia 25 de março.

Mais uma vez, muito longe de ser classificado como um show ruim ou fraco, o que foi visto no Autódromo de Interlagos foi menos intenso que o observado na Audio.

Moonspell exalta a liberdade de criação em um mundo diferente

Uma ponte segura que une duas culturas que, aparentemente, se distanciam de tempos em tempos. O maior nome do rock pesado português, o Moonspell, instituição musical europeia, até ainda acalenta o sonho de colocar Brasil e Portugal cada vez mais próximos por meio do rock, ainda que seja difícil esticar as tais pontes.

O vocalista Fernando Ribeiro, uma da cabeças mais lúcidas e cultas do metal mundial, nunca se conformou com o fato de que as turnês latino-americanas de sua banda, sempre intensas, quase sempre apresentam o Brasil como o local com as menores vendas de ingressos.

"Causa-me estranheza que isso aconteça, embora não altere o panorama. Nossa ligação com o país é umbilical, mas imagino que a cena musical fervilhante e diversificada possa te alguma influência. No entanto, serão seis shows em abril no Brasil, o que me enche de orgulho", disse Ribeiro em entrevista exclusiva ao Combate Rock.

Com a turnê “Latin America Fullmoon”, o quinteto formado por Fernando Ribeiro (vocal), Ricardo Amorim (guitarra), Aires Pereira (baixo), Hugo Ribeiro (bateria) e Pedro Paixão (teclados) passará por São Paulo, Porto Alegre, Curitiba, Limeira, Brasília e Belo Horizonte.

Em um mundo muito diferente, principalmente depois da pandemia de covid-19 - que ainda não acabou -, é gratificante observar a paixão com que o músico português fala de música e da arte. 

Ribeiro valoriza a liberdade que a banda tem ao compor, produzir e tocar em um momento em que o rock não está no topo das preferências. É uma fé que justifica os quase 30 anos de trajetória bem-sucedida, ainda que o quinteto permaneça no underground.

"Se não sou rico, nem famoso, isso não importa. Tenho liberdade criativa e consigo não chegar a toda a gente, mas à gente 'certa'", comentou o vocalista. Leia os principais trechos da entrevista:

A pandemia de covid-19 afetou de forma séria nossos países, embora as consequências no Brasil tenham sido mais severas por conta de uma série de motivos. Como a banda atravessou o período mais difícil do distanciamento social? Além da paralisação de shows, como afetou os processos criativos do Moonspell?

Fernando Ribeiro - A covid-19 foi uma calamidade, tanto social como epidémica e provocou uma ainda maior cisão entre as pessoas comuns, o que é sempre de lamentar. Penso que só daqui a um par de anos conseguiremos discernir o verdadeiro alcance do que nos aconteceu, embora nunca iremos conhecer a “verdade” dos fatos - está fora do nosso alcance. O primeiro instinto foi tentar compreender e, à distância recomendada, unir a banda e tomarmos conta uns dos outros. Não me envergonho de admitir que, quando os shows paralisaram, tratei de cobrar as dívidas de direitos das sociedades de autores e afins, que nem sempre pagam a horas, e comecei a desenvolver algumas ideias para apoiar a banda e a nossa equipe. Recaiu sobre mim muita pressão e responsabilidade e nunca tive a atitude leviana de dizer, como li a muitos músicos, que até tinha sido bom “dar um tempo nas turnês”.   A criatividade, que é livre de amarras, foi essencial para o equilíbrio vital do Moonspell e continuámos a composição do Hermitage, que tinha iniciado em 2017. Cada um em sua casa, mas focados no trabalho.

"Hermitage", o último de trabalho de estúdio, apresentou o Moonspell olhando para novos horizontes em todos os sentidos quando a banda completou 25 anos de carreira fonográfica. O que a maturidade trouxe de mudanças no som da banda, na perspectiva de vocês? E o que isso influencia em um eventual novo trabalho de estúdio?

Concordo que "Hermitage" seja, talvez, o nosso disco de maior maturidade. Pelo contexto, assunto, musicalidade, é um disco de homens na meia idade, tentando conferir alguma dessa experiência ao nosso som. Por outro lado, eu não sei muito bem definir a “evolução” do Moonspell porque ela foi espontânea, autêntica. Fruto de alguma insatisfação, de curiosidade por outros sons e bandas, não há nada a justificar, assim aconteceu, sem fórmulas, apenas músicos lutando contra as suas limitações e a favor da sua vontade em incluir várias sensibilidades na composição. O próximo disco será feito com calma. editaremos somente em 2024 ou 2025. Eu gostaria de regressar a canções mais simples, optar por uma mistura mais nítida entre Gótico e Metal, não repetir o lado prog e ter um conceito mais inteligível, mas ainda vai sendo cedo para definir essas metas, tudo pode mudar.

A banda caminha para os 30 anos de existência. Surgiu em um mundo musical muito diferente, onde o rock e o heavy metal estavam em alta. Três décadas depois o mercado fonográfico implodiu, a música ficou de graça e a relação das pessoas com a música, no mundo inteiro, mudou muito. Não há mais um vínculo afetivo, tudo está muito veloz e descartável. Para vocês, como artistas, é difícil lidar com tais mudanças?

Sim, a música muitas vezes é apenas um acessório e deixou de ter um aspecto tão central nas nossas vidas cotidianas. Sinais dos tempos. Eu tive sempre a ousadia de me definir como um artista, mas, hoje em dia, me sinto mais como um animador, que, sem desprimor, tem a bonita missão de tirar a cabeça das pessoas dos problemas graves de crise generalizada, que vivemos em tempo real. Há algo de pensamento mágico nisso. Por outro lado, não há como não aceitar os termos desse pacto demoníaco que é hoje a indústria musical e a pouca atenção das pessoas. Moonspell corre muito pelas margens, pelos nichos e vamos conseguindo fazer vida disso, também porque nos soubemos adaptar aos tempos, não exagerar na exposição (eu não passo o meu tempo “partilhando”) e gerir as expectativas financeiras e de sucesso. É um preço que temos de pagar para manter a vivência da música e o amor pela mesma. E esse amor derruba fronteira e muros que pensávamos inabaláveis. Se não sou rico, nem famoso, isso não importa, tenho liberdade criativa e consigo não chegar a toda a gente, mas á gente “certa”.

Continuando no mesmo tema, imagino que um álbum importante como "1755" teria mais dificuldades hoje para obter a devida atenção por ser um trabalho denso e com grau alto de informação. Ainda faz sentido gravar álbuns, e alguns como esse? 

Para obter essa tal atenção que você fala, teríamos de dar uns passos que iriam, fundamentalmente, roubar todo o prazer que temos na identidade do Moonspell. O "1755" é até um exemplo perfeito. A editora queria um EP e nós assim o fizemos (chamava-se "Ruínas") e tinha apenas quatro temas, mas, enquanto íamos escrevendo música, fomos nos entusiasmando e acabámos por fazer um álbum completo. Na verdade, nem estávamos a pensar na parte comercial do disco, ou se as pessoas iam acompanhar um disco que combinava metal com história (de Portugal), cantado em português. E essa “inocência” nos permitiu fruir do sucesso em fazer um disco assim, inaugurar um novo capítulo da música da banda (que queremos retomar em breve, assim haja conceito e vontade). Para nós fez e fara sentido, o resto não sabemos mas não vamos seguir regras que, para nós, não fazem muito sentido. Ppara que ter uma banda se não para combater as regras?

Muito se fala que o público brasileiro e alguns artistas daqui viram as costas para a produção musical da América Latina, pouco difundida entre os brasileiros - e esse comportamento, de certa forma, se estende aos artistas portugueses de rock. Apesar de uma boa presença do Moonspell no Brasil ao longo dos anos, você concorda com essa percepção de parte do mercado de que o Brasil se importa pouco com o rock português? 

Não sei avaliar muito bem. Só sei que o Brasil é uma nação musical e Portugal pouco mais que uma aldeia, comparado. Acaba por ser também uma questão quase política, infelizmente. Eu lanço na Europa heavy metal do Brasil, como Troops of Doom e, em breve, The Mist... Não consigo enviar cópias de cortesia às bandas, por causa da alfandega. É ridículo que não haja um tratado comercial entre países que tem história e cultura em comum. Por outro lado, eu vejo Sepultura, entre outros, colaborando e convivendo com artistas de outros gêneros musicais, numa boa. Em Portugal, quando o Moonspell chega a um site, os outros artistas parecem nem levar a sério, há uma bolha que nos separa. Quando começamos a tocar no continente americano, era no Brasil onde que vendíamos menos bilhetes. Era meio estranho. México e Chile estavam sold out e Brasil a meio gás. Até nesta tour, isso irá acontecer, mas nem por isso deixamos de voltar e de ir à luta. O "1755" e a participação no Rock in Rio mudaram um pouco as coisas, mas não muito. Não considero que seja justo considerar tudo como um esnobismo cultural da parte do Brasil. Eu acho que Portugal sempre pensou pequeno em termos culturais e musicais, e as coisas estão bem piores. O mal, no entanto, é geral. A curiosidade é a base da criatividade, da cultura. E agora em que em meros segundos encontramos o que queremos online, e de graça, não há desculpas. A música é um estado de alma. De vez em quando quero ouvir folk galego e escuto; outra quero ouvir "Construção", do Chico Buarque, ou o "Phantasmagoria", do The Mist ou gótico russo e basta um clique. Se os outros não o fazem, não é um problema meu.

Moonspell é um conjunto que costuma oferecer algo mais aos fãs, e algo diferente, como o projeto "Lisboa Under the Spell". Podemos esperar algo inovador ou, ao menos, diferente no médio prazo?

Nós tivemos o "From Down Below", álbum ao vivo gravado a 80 metros de profundidade numa gruta em Portugal (Mira D’Aire) perante 100 fãs, no pico da pandemia, interpretando o disco "Hermitage" na íntegra. Gostaria de tocar o "1755" com coro + orquestra na zona do impacto, Praça do Comércio em Lisboa; ou, quem sabe, um outro concerto num sitio museológico ou natural em Portugal. Ainda tenho algumas ideias fora do baralho, mantenham-se atentos! 

A mudança de governo no Brasil trouxe alívio e esperança para parte expressiva de sua população, principalmente por conta de ameaças à democracia e manifestações violentas da extrema-direita. No convívio com brasileiros em Portugal é possível notar essa mudança? Isso, de certa forma, pode influenciar alguma expectativa de vocês para as apresentações por aqui? 

Curioso como a política, que devia servir de mediador da coisa pública, se tornou num objeto de cisão tão profunda, não só no Brasil, como em todo o mundo. Eu desprezo profundamente a política e os políticos. Gostava que se tentasse outro tipo de gestão, mais social, porque não abolindo os partidos políticos (como escrevia Simone Weill) e entregando-se a res publica a uma associação de notáveis, de filantropos, sem corrupção, mas sei bem como isso é utópico. Temos uma comunidade brasileira muito forte em Portugal, acho que nunca tivemos números assim. Constitui uma porção significativa da população em Portugal e, por isso, também tem as suas complexidades. Eu fui a um show da Nervosa, em Lisboa, e curti muito o fato de que metade do público era formado por brasileiros vivendo em Portugal. A festa foi bem maior, já que o "tuga" (portuga, de português) é mais reservado. Acho que a diáspora brasileira pode dar muito ao nosso país, mas é necessário que, num contexto de crescimento da extrema-direita em Portugal, se criem leis e condições para que a comunidade se sinta segura e em casa. Não pode ser cortar fitas e chamar país irmão ou chorar o “ouro perdido”. Acima de tudo, sinto que Brasil e Portugal ainda se conhecem mal ou vivem com perspectivas passadistas, e há que trabalhar nisso. Em todo o caso, a música tem uma função diametralmente oposta a da politica, pelo menos, a do Moonspell: procura unir e ser um espaço seguro, livre de ideologia politica, puro entretenimento e, quem sabe, uma forma de arte. Essa é a minha expectativa para os shows no Brasil: ultrapassar qualquer contenda, em nome da música que se ama.

Datas no Brasil:

7 de abril: Porto Alegre (RS) – Bar Opinião 
8 de abril: Curitiba (PR)
9 de abril: Limeira (SP) – Mirage Eventos 

11 de abril: Brasília (DF)
12 de abril: Belo Horizonte (MG)
13 de abril: São Paulo (SP) – São Paulo Metal Festival

Bandas finlandesas Terveet Kädet Rattus anuncia turnê conjunta no Brasil

Duas das mais influentes bandas do hardcore/punk finlandês farão uma turnê histórica no Brasil por aqui em abril. As lendárias bandas Terveet Kädet e Rattus já têm nove datas confirmadas em sua “Finish Invasion Tour”. Será a primeira e última tour das duas bandas juntas . 

O Terveet Kädet foi formado em 1980 na cidade de Tornio/Lapônia e são muito influentes no underground global – em especial aqui no Brasil, com bandas como Ratos de Porão, Olho Seco e Sepultura, que os citavam como referências (Max Cavalera sempre fala em entrevistas que o TK é uma de suas maiores paixões e motivações na música). 

Recentemente o Ratos de Porão, liderado por João Gordo, fez um EP todinho com versões para sons do TK (chamado “Isentön Päunokü”, disco cantado em português com versões do 3º compacto da banda, Ääretön Joulu, de 1982). Mike Patton do Faith No More/Mr. Bungle é outro grande fã da banda.

Eles já passaram por diversas formações, porém, apenas o vocalista "Läjä" Äijälä, permanece desde o começo. Possuem 12 álbuns, 3 ‘ao vivo’ e quase 15 EP’s, sendo “Ääretön Joulu” (1982) um dos maiores clássicos do gênero.

A Tour “Finnish Invasion” foi uma ideia que surgiu em 2020, durante a segunda turnê do grupo Terveet Kadet pelo Brasil e que, infelizmente, teve que ser interrompida precocemente após poucos shows devido à pandemia da Covid-19 e o lockdown que ocorreu, e que como todos sabem, ‘pausou’ o mundo por cerca de dois anos...

Neste ano, o Terveet Kädet lançou seu novo álbum, “Kaikki Kaikkia Vastaan”, disco que vem sendo considerado como um dos mais brutais da carreira da banda.

Já o Rattus, é uma das mais antigas e conhecidas bandas de Hardcore/Punk finlandês, que foi formado em 1978, em Vilppula. Aqui no Brasil a banda é bastante conhecida, graças ao disco “Uskonto On Vaara” (1984), que teve sua edição em vinil, lançada por aqui. 

Eles deram uma pausa em 1988 e retornaram só em 2001. Será a quarta e última passagem da banda pelo Brasil, já que encerrará suas atividades, e escolheu o Brasil como o lugar para fazer sua turnê de despedida. O Ratos de Porão fez um cover de Rattus, da faixa “Rajoitettu Ydinsota”, lançada no disco “Feijoada Acidente – Internacional”, em 1995.

Curiosamente, “Uskonto On Vaara” teve a capa desenhada por Pushead (Brian Schoreder), ex-vocalista do Septic Death, que ficou bastante famoso como artista gráfico de bandas como Metallica, Misfits, entre outros. Em sua discografia o Rattus possui 5 álbuns, 7 EP’s e algumas compilações. A formação traz Jake (guitarra e vocal), Tomppa (baixo) e V.P. (bateria).

Ambas as bandas tiveram enorme influência e também foram influenciadas pelo punk/HC brasileiro dos anos 80, através do intercâmbio de demos e cartas com Fábio Sampaio, da lendária banda Olho Seco, entre outros pioneiros do punk nacional.

Confira as datas:

15.04 – Limeira/SP @Mirage

16.04 – Rio de Janeiro/RJ TBA

20.04 – Brasília/DF @Galpãozinho

21.04 – Belo Horizonte/MG @Area 51

22.04 – São Paulo/SP @Hangar 110

23.04 – Curitiba/PR @Basement

28.04 – Porto Alegre/RS @Oculto

29.04 – Florianópolis/SC @Booteko

01.05 – Diadema/SP @Container Pub


SERVIÇO DO SHOW DE SÃO PAULO:

“Finnish Invasion no Hangar 110 – Terveet Kadet, Rattus e convidados”

Show com as bandas:

Rattus

Terveet

Invasores de Cérebros

Juventude Maldita

Trassas

Endereço: Hangar 110 (R. Rodolfo Miranda, 110, Bom Retiro, São Paulo – próximo do metrô Armênia)

Dia: 22/04/2023 (sábado)

Abertura da casa: 19h

Valores:

Primeiro lote: somente online: R$100,00

Segundo lote: online ou físico: R$125,00

Porta: R$ 150,00

O pico do ecletismo inflamável do Roxy Music faz 50 anos

Caio de Mello Martins - publicado originalmente no site Roque Reverso

Puxe um papo sobre o Roxy Music cá por essas bandas tupiniquins, e em 99% das vezes as pessoas reagirão com cara de tacho. “Não conheço, não sei quem é.” Mas, jogando os nomes de Bryan Ferry e Brian Eno na conversa – respectivamente vocalista e tecladista da primeira encarnação da banda – já é possível iluminar a cabeça do interlocutor, ainda mais se ele já tiver adentrado a casa dos “enta”.

Hits oitentistas de Ferry como “Don’t Stop the Dance” e “Slave to Love” cimentaram a imagem dele como um baladeiro de mão cheia, seus ritmos suaves embalando casais curtindo luas-de-mel em resorts caribenhos.

Brian Eno é simplesmente um dos maiores produtores da indústria fonográfica dos últimos 50 anos, assinando parcerias aclamadas pela crítica (caso de David Bowie e Talking Heads) e pelas massas (U2 e Coldplay). 

Sua carreira solo é menos famosa porém de relevância ainda maior pelo fato de Eno ser um dos maiores responsáveis pela popularização da música ambiente (nerds vão adorar saber que ele compôs o tema de inicialização do Windows 95).

Em 23 de março de 1973, Bryan, Brian e outros quatro colegas lançavam “For Your Pleasure”, o segundo álbum do Roxy Music.

 Se você achou que a junção do futuro crooner da era yuppie com o futuro mago da orquestração eletrônica resultaria num álbum chato pra cacete, achou errado!!

 No programa sobre Roxy Music do “Choque de Cultura” que nunca existiu (afinal música é coisa de drogado, já diria Rogerinho do Ingá), aprendemos que esse segundo álbum não só consegue ser ainda mais esquisito do que o antecessor, mas também rende muitos orgasmos musicais com uma mistura ousada de hard rock, cool jazz, soul music, Broadway dos anos 1930, vanguarda experimental clássica, rockabilly e R&B selvagem a la Velvets.

(Definição de orgasmo musical: estado de êxtase movido pela música envolvendo movimentos de lipsync, “air guitar” ou “air-qualquer-coisa”, contorcionismo, caretas e danças, resultando em exaustão e sudorese típicos de um estado pós-coito)

A formação da banda não era nada convencional. Bryan e Brian nos teclados – um no piano elétrico, o outro manipulando grandes geringonças que eram os sintetizadores, osciladores e mellotrons da época; Andy MacKay no saxofone e oboé; Phil Manzanera na guitarra e Paul Thompson na bateria (desde a saída do baixista original Graham Simpson, o cargo ficou vago durante a maior parte da carreira do Roxy, preenchido por colaboradores ocasionais – neste álbum escutamos o baixo de John Porter). Este seria o último álbum do Roxy Music com Bryan e Brian, já que o Brian com “i”, em rota de colisão com seu quase-xará, deixaria a banda logo depois.

Thompson e Manzanera tinham raízes fincadas no rock; Thompson fornecia aquela levada sólida, com viradas ágeis, marcações firmes e a regularidade de um bom baterista de rock. Manzanera fazia sua guitarra ecoar com altos níveis de distorção, trazendo nos solos aquele calor dionisíaco como contraponto aos arroubos do sax de MacKay e ao formalismo de Bryan e Brian. 

A combinação de MacKay com Eno era um dos trunfos da banda – MacKay tocava seu sax ora no cativante terreno do R&B, ora na onda lírica de Miles Davis, ou então contribuía com a elegância contemplativa do oboé. E Brian Eno, fazendo jus à sua extravagante apresentação nos palcos, emprestava tons os mais exóticos. 

Em diversas faixas é possível ouvi-lo não por meio de métodos convencionais de composição como frases, acordes e melodias, mas por “tratamentos” de estúdio que adicionam aos outros instrumentos diferentes texturas, aguçando as sensações evocativas que a música traz e, dessa forma, potencializando seu impacto – um impacto multissensorial.

A quarta faixa do álbum, “Editions of You”, reserva um dos momentos mais emblemáticos da história do rock. Brian Eno toca um solo totalmente atonal de pouco mais de 30 segundos com seu VCS3 Synthesizer. O que se escuta não é um aparelho feito para emular a função de outro instrumento acústico ou eletroacústico, mas sim o puro som da eletrônica. 

O som de máquinas rangendo e se expressando em toda a artificialidade de seus circuitos e sinais eletrônicos. Mark Mothersbaugh, um dos líderes do Devo, considera esta performance específica de Eno como aquela que definiria os rumos da música eletrônica como um gênero musical independente.

E ainda há a figura de Bryan Ferry, principal compositor do Roxy e o grande regedor do som. É difícil pensar num frontman de rock tão anti-rock quanto Ferry. Metido em ternos das mais espalhafatosas cores, gravata borboleta e um topete impecável, Ferry era a encarnação do dândi, o esteta decidido a fazer de sua vida uma obra de arte. 

Ferry cresceu na aridez do norte industrial inglês idolatrando Fred Astaire, Frank Sinatra e outros grandes cantores da era de ouro de Holywood.

Sua formação seria acrescida mais tarde de um mergulho nas artes plásticas: Ferry era estudante de Belas Artes na Newcastle University, onde tinha como professor Richard Hamilton, um dos maiores nomes da Pop Art, autor da famosa tela “Just what is it that makes today’s homes so different so appealing?”

Investindo pesado na ambiguidade, Ferry mistura todo o glamour e charme da fase clássica da Broadway com as meditações da Art Pop sobre história e sociedade: a frivolidade da sociedade de consumo de massas, a descartabilidade da produção cultural em tempos de mass media, o narcisismo dos “quinze minutos de fama” de Andy Warhol que as plataformas de indústria cultural fomentam. 

O que sai disso é um traço de decadentismo e “fadiga moral” que dá ao vibrato de sua voz de chanteuse uma dimensão francamente vampiresca.

Diretamente inspirada pela obra de Hamilton, “In Every Dream a Heartache” passeia pela perfeição artificializada de uma cobertura de luxo, onde o narrador faz juras de amor a uma boneca inflável que é seu objeto de devoção e fetiche máximos – até que ela explode!

 Na já mencionada “Editions of You”, uma declaração de amor sob medida para os tempos modernos: melhor do que você, só “duas você” – de preferência em versões customizáveis para satisfazer a megalomania que não só habita todos nós mas é açulada por nosso cotidiano. 

“Do the Strand” brinca com o “twist”, o “mashed potato” e tantos outros “passinhos” do universo do rock dos anos 1950 para apresentar a última nova febre, o “strand”. Relembrando o can-can, o beguine e outras febres da era pré-rock em cabarés e salões dos anos 1930, ao mesmo tempo chamando Mona Lisa, Vaslav Nijinski e o Rei Luís XVI para o baile, Ferry mostra o quão absoluto é o “strand” – uma dança que é um suco de história e uma geleia de arte low-brow e hi-brow.

“For Your Pleasure” conseguiu a proeza de emplacar o quarto lugar nas paradas de sucesso da Inglaterra (UK Chart) com oito faixas que não têm refrão. 

Estruturalmente simples, as canções reservam um espaço na midpart para improvisações sensacionais, seja de Eno, MacKay, Manzanera e até mesmo de Ferry, que toca uma gaita pra lá de nervosa em “Grey Lagoons”. 

Em duas músicas – “Do The Strand” e “Beauty Queen”, as faixas que abrem o álbum – as midparts não contêm um solo em si, mas ouvimos linhas independentes de baixo, sax e guitarra se entrelaçando em um grande frenesi de big band – parece que tudo vai desmoronar, mas a banda demonstra níveis absurdos de entrosamento e química para manter a sincronia entre todos os elementos e ressoar em polifonia. Mágica.

O conceitualismo e o ecletismo do Roxy foram irresistíveis para crianças e adolescentes de sensibilidade artística crescendo da Inglaterra e nos Estados Unidos dos anos 1970 – deslocados em meio ao cenário mainstream com suas superbandas de progressivo, seus ídolos do hard rock e seus cantores folk confessionais. 

Siouxsie Sioux conheceu o futuro baixista dos Banshees em um show do Roxy Music. Morrissey nomeou “For Your Pleasure” o “melhor álbum britânico de todos os tempos”. 

O vibrato da voz de Ferry se faz presente em muitas das vozes do synth-pop e pós-punk como David Sylvian (Japan), Philip Oakey (Human League), Jerry Casale (Devo) e David Byrne (Talking Heads).

Esta relação umbilical do Roxy Music com a geração posterior não poderia estar mais acentuada do que na faixa-título de “For Your Pleasure”, que encerra o álbum com seu mix lânguido de guitarras e teclados reverberando no éter. 

A música termina aos poucos com uma cacofonia construída por Brian Eno, que combinou a gravação da linha de teclado em várias fitas para editá-las em diferentes velocidades, ou reproduzindo-as de trás para frente, produzindo sincopações e até efeitos percussivos a partir do looping.

Adepto de um método chamado de “estratégias oblíquas” – um sistema composto com o que parecem cartas de tarô contendo diretivas feitas para tirar o artista de bloqueios criativos –, Brian Eno reutilizou os vocais de uma faixa do álbum anterior (a sinistríssima “Chance Meeting”) para picotá-los e gerar um coro tão dramático quanto abrupto (pense no final de “A Day In The Life”).

Este seria o último registro da colaboração Bryan-Brian, mas não seria o fim do Roxy Music. Para o lugar de Eno a banda chamou Eddie Jobson, que chegou da banda de prog Curved Air com apenas 18 anos. 

Jobson não era apenas tecladista mas também um violinista de mão cheia, e gravou três álbuns entre 1974 e 1975 (“Stranded”, “Country Life” e “Siren”), todos alcançando o Top Five da UK Chart. Em 1976, no entanto, com Ferry gastando mais tempo com sua carreira solo, a banda entrou em hiato, retomando as atividades em 1978 e produzindo outros três álbuns (“Manifesto”, ‘Flesh + Blood’ e “Avalon’).

Já Brian Eno inaugurou sua carreira solo no ano seguinte à sua saída, com “Here Come the Warm Jets’ (que conta com participação de seus antigos companheiros de banda MacKay, Manzanera e Thompson) e “No Pussyfooting”, uma parceria com Robert Fripp, líder do King Crimson. 

Nos anos seguintes, em paralelo à carreira solo, Eno também gravou um álbum com o trio alemão de kraut-rock Harmonia e em 1977 ajudaria a conceber a chamada “Trilogia de Berlim”, a trinca de álbuns co-produzidos com David Bowie quando o camaleão se realocou para a então metrópole cindida entre Alemanha Ocidental e Alemanha Oriental.

Se a marca de “For Your Pleasure” no imaginário britânico foi inegável, seu impacto nos Estados Unidos foi bem menor. Nem mesmo a presença na capa da modelo Amanda Lear, antiga musa de Salvador Dalí e então namorada de Ferry, animou as vendas.

A banda levaria mais nove anos até conseguir alguma certificação de vendas pela RIAA (a associação que representa a indústria fonográfica por lá), com o mega hit “More Than This”. 

Em uma entrevista da época para o semanário musical britânico Sounds, Bryan Ferry se queixa que o “público americano de alguma forma não é tão inteligente quanto o britânico”, pois “as coisas mais óbvias são as que mais apelam para eles”. 

Realmente Roxy Music e Tio Sam nunca se bicaram – pior para nós, brasileiros, que sempre fomos caixa de ressonância do mercado da indústria fonográfica norte-americana.